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Elinat

Mensajepor Elinat » Vie 24 Nov, 2006 8:56 pm

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Sandro Botticelli, 1445-1510.
Primavera(275K GIF).
Pintura (1478). Museo Nacional, Nápoles, Italia.


Esta obra me impresionó mucho cuando la vi , es muy bella.


Pd.-Mariana.... No estoy en casa y no encuentro ahora la otra web que era más completa , la seguiré buscando.

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Mariana

gracias

Mensajepor Mariana » Vie 01 Dic, 2006 9:19 pm

Hola.

No he podido entrar antes, pero gracias por lo que me ponéis. :salute:

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Para Mariana

Mensajepor Para Mariana » Sab 02 Dic, 2006 6:22 am

> Tres Gracias
Titulo: Tres Gracias, 1625/30
Autor: Peter Paul Rubens
Museo: Museo del Prado
Caracteristicas: Oleo sobre tabla 221 x 181 cm.



Las Tres Gracias es la obra más famosa de Rubens. Fue adquirida por Felipe IV entre los bienes del pintor, subastados tras su fallecimiento -el 30 de mayo de 1640- pasando a decorar alguna de las salas del Alcázar de Madrid. El hecho de estar pintado sobre tabla indica la relación del maestro con la pintura flamenca antigua. Las Tres Gracias se llamaban Eufrosine, Talía y Anglae y eran hijas de Zeus y Eurymone. Siempre aparecen desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse. Son las representaciones de la afabilidad, la simpatía y la delicadeza. El asunto y la manera de tratarlo se remontan al arte clásico pero fue Rafael, en el Renacimiento, quien lo recobró. Rubens mantiene la composición del italiano, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo. También ha cambiado el canon de belleza, empleando el típico de sus pinturas, con mujeres entradas en carnes pero proporcionadas, elegantes. La sensación de movimiento y gracia que irradian las tres jóvenes es excelente, obteniendo el efecto de invitar al espectador a integrarse a la escena. Las flores de la guirnalda superior y el fondo de paisaje acentúan la belleza del conjunto. El fuerte foco de luz que utiliza el maestro resalta el colorido perlado de las muchachas, en cuyos rostros creen algunos reconocer las facciones de las dos esposas del pintor -Isabella Brant y Hélène Fourment- mientras otros opinan que se trata de diferentes variaciones de ésta última. La belleza femenina de la pintura de Rubens está resumida en este magnífico trío.


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:up:

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mais

Mensajepor mais » Sab 02 Dic, 2006 6:24 am

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> Mona Lisa
Titulo: Gioconda, 1503-6
Autor: Leonardo da Vinci
Museo: Museo Nacional del Louvre
Caracteristicas: Oleo sobre tabla 77 x 53 cm.
Estilo: Renacimiento Italiano


Es difícil tratar de hacer comentarios a la Gioconda. La fascinación que ha ejercido a lo largo de los siglos y el poder que tiene sobre la mirada del espectador obstaculizan un análisis objetivo, dado el icono en que se ha convertido para la cultura del mundo moderno y contemporáneo. En ella se citan todas las características de la pintura de Leonardo: el empleo del sfumato, esa técnica que difumina suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos; el hermoso paisaje del fondo, agreste, salvaje y de un matizado tono azul que lo hace desaparecer en un degradado invisible; la ambigüedad del rostro, la indefinición sexual que la hace parecer una mujer, un adolescente... un mito de androginia que tiene referencias inacabables con teorías filosóficas y religiosas; y, por encima de todo, la sonrisa más melancólica y misteriosa de la historia del hombre. El retrato es el de Madonna Lisa, la señora Lisa, la esposa de Francesco del Giocondo, de donde toma su sobrenombre. Leonardo retuvo consigo el retrato hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente. De sus manos pasó a la colección real de Francia y hoy puede verse en el Museo del Louvre, protegida por un panel blindado y envuelta en un remolino de turistas que la fotografían sin cesar.

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Invitado

Mensajepor Invitado » Sab 02 Dic, 2006 6:31 am

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> Las Meninas
Titulo: La Familia de Felipe IV, 1656
Autor: Velázquez
Museo: Museo del Prado
Caracteristicas: Oleo sobre lienzo 318 x 276 cm.
:up:


Obra maestra de Velázquez realizada en el año 1656. En la pintura aparecen, en primer plano y de izquierda a derecha: Velázquez, María Agustina Sarmiento, una de las meninas, la infanta Doña Margarita, Isabel de Velasco, la otra menina, y los enanos Maribárbola y Nicolás Pertusato; en segundo plano, Marcela de Ulloa y un Guardadamas; en el espejo se reflejan los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, y al fondo aparece José Nieto, aposentador de palacio. La escena representaría el momento en que el artista está pintando en su taller y la infanta, con su pequeña corte, se ha acercado para ver cómo trabaja Velázquez, costumbre habitual en palacio. En este instante aparecen los reyes que van de paso, hecho que se constata por la presencia del aposentador, cuya función era abrir las puertas a sus majestades, al fondo de la escena.

Esta irrupción provoca diferentes actitudes en los personajes: unos saludan y otros permanecen ajenos a la aparición. La pintura siempre ha sido denominada "La Familia de Felipe IV" aunque desde el siglo XIX se la conoce como "Las Meninas", que eran las muchachas que acompañaban a los niños de la familia real. Esta obra estaría destinada al despacho de verano de Felipe IV en el Alcázar de Madrid, lo que indica la estrecha relación entre soberano y pintor.

Artísticamente, hay que destacar el interés del pintor por conseguir la perspectiva aérea, la sensación de que entre las figuras hay aire, así como la creación del espacio en profundidad a través de la luz que penetra por las ventanas de la derecha. La situación del cuadro en el Museo del Prado, en la sala oval de la planta alta del edificio, refuerza de una manera sorprendente la sensación de perspectiva. También llama la atención la pincelada suelta, que anticipa el Impresionismo. La obra está considerada como una de las mejores pinturas del mundo, tanto por artistas como por críticos.

Cuando en el siglo XVII el pintor Lucas Jordán tuvo la oportunidad de ver el cuadro manifestó que era la Teología de la pintura, queriendo dar a entender que así como la Teología era la superior de las ciencias, aquel cuadro era lo superior de la pintura.







Hasta otro momento Mariana,

Elinat (con pereza de logearme, tengo sueño)
:lol: :x

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MENCIA

Mensajepor MENCIA » Sab 02 Dic, 2006 11:56 pm

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MONET







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Delicia

Mensajepor Delicia » Dom 03 Dic, 2006 2:24 pm

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS - EL BOSCO

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Entre los pintores flamencos del siglo XV sobresale la figura singular y solitaria de Jeroen Anthoniszoon van Aeken, más conocido como Hieronymus Bosch (1450-1516), que vivió alejado de los grandes centros artísticos de la época, y a quien se le atribuyen con certeza una treintena de pinturas, en las que adoptó los nuevos métodos de la pintura, que permitían representar la realidad de manera más verosímil, para reflejar las cosas que nadie no había visto nunca: dio forma concreta y tangible a los miedos que obsesionaron al hombre medieval.


Pasemos a describir las distintas partes del tríptico. Cuando éste se mantiene cerrado, en el exterior está representado, en grisalla, el mundo después del diluvio. Se ve una imagen de la tierra como un disco plano rodeado de agua, y Dios en la parte alta del ángulo izquierdo; hay escrita una cita del salmo 33 ("Ipse dixit et facta sunt; ipse mandavit et creata sunt") que ha hecho pensar que se refería a la Creación del mundo, pero no lo puede ser porque en el paisaje se ven castillos y otros edificios. Hay un haz de rayas a la izquierda de la esfera que podrían ser el arco iris, que es el señal de la alianza que hizo Dios con Noé después del diluvio (Génesis, 9, 13-15).


El panel izquierdo del interior del tríptico nos muestra la Creación, con Dios que acaba de dotar a Adán de una compañera. En un primer término, animales de distintos géneros pululan alrededor de una balsa: reptiles, aves, peces y mamíferos de extravagante apariencia se mueven por tierra, agua y aire. En medio del paraíso, en el centro de un lago, una extraña fuente de color rosado. La profundidad del paisaje está hecha de colinas, prados y lagos poblados de una fauna primitiva.


El panel central del tríptico, con su orgía compositiva, contrasta con el ambiente bucólico y reposada de la Creación. Es un paisaje, tomado desde una perspectiva elevada, en el que también se suceden lagos y prados hasta un horizonte montañoso. En el primer término, hombres y mujeres -algunos de piel negra- se dedican a sofisticados juegos: algunos están ocultos en el interior de esferas que parecen frutas o bayas, otros se protegen con flores de pétalos transparentes, los hay que pretenden morder grandes fresas, frambuesas y moras. Peces, aves y grandes moluscos se mezclan con los humanos, y en el lago del primer término las parejas se dedican a juegos amorosos. El centro compositivo es un estanque circular, en el que se bañan mujeres blancas y negras, con garzas, cuervos y pavos reales encima de la cabeza, alrededor del cual una estrambótica cabalgata (hombres y mujeres sobre camellos, gatos, jabalíes, unicornios, ciervos, cabras y caballos) tiene un aspecto procesional. En el lago del fondo desembocan los cuatro ríos del paraíso, con extrañas embarcaciones y sirenas, una esfera flotante que aguanta una fuente monumental y grupos de personajes que se introducen en un huevo monumental o se comen un madroño. En el panel derecho, con un procedimiento basado en el juego de luces y tinieblas, se describe el infierno, donde los humanos son sometidos a torturas con máquinas que parecen instrumentos musicales, relojes de sol o formas medio zoológicas medio vegetales, como el demonio que devora a los condenados y los evacua a un agujero, con unos pájaros que salen volando del ano del cuerpo cuya cabeza es devorada. Al fondo, explosiones de fuego recuerdan la naturaleza del infierno.


Una primera interpretación de este tríptico lo ve como una parábola del mal producido por el goce s. En el panel de la izquierda, en el Paraíso, la creación de Eva introduce en el mundo la relación entre los dos sexos, relación que está plasmada, en la parte central, en formas variadas y muy numerosas, entre parejas o grupos de figuras desnudas reunidas en lugares irreales. La consecuencia de estas "delicias" aparece a la derecha, donde los pecadores recibe su castigo.


Otra interpretación lo entiende, así mismo, como una descripción positiva de la relación sexual: santificado por la presencia de Dios, el tema de las delicias amorosas se ejemplifica en millares de episodios en los que los cuerpos desnudos se dejan transportar por un ligero movimiento, y todo empapado de una sublime inocencia, según la tradición de los adamitas que querían simbolizar con la desnudez del cuerpo el estado de pureza y de gracia propio del paraíso. El infierno, según esta hipótesis, está reservado a todos los que se oponen a la satisfacción de los sentidos.


También existe otra visión que, dejando de lado el elemento sexual, ha subrayado un tema que parece impregnar esta obra: la inestabilidad y la fugacidad. Se basa en la observación de un conjunto de estructuras que presentan un equilibrio sumamente precario: la torre del lago central, construida sobre un globo agrietado que flota sobre el agua y que está rematado por columnas que descansan sobre una base redonda; figuras que balancean cosas sobre la cabeza; acrobacias sobre caballos; los tubos de vidrio; el hombre-árbol del infierno apoyado sobre dos barcas desencajadas que no ofrecen ninguna seguridad... Sigüenza, que lo describió el 1605, vio en la tabla central una representación simbólica de la vanidad de los placeres mundanos figurados por las fresas, fruto cuya fragancia "apenas se puede oler antes que pase".


Recientemente, Michel Foucault adopta como punto de partida para su análisis el papel que han desempeñado los animales en a visión de la naturaleza y de la divinidad. En la Edad Media, los animales a os que Adán había dado nombre, llevaban simbólicamente los valores de la humanidad; pero, desde el Renacimiento esta relación con la animalidad se transforma: ahora es el animal el que espía al hombre, el que le revela la propia verdad, en el sentido de que los animales imposibles, nacidos por el impulso de una imaginación desbordante, se convierten en la naturaleza secreta de los humanos. Ésta sería, según él, la base de la pintura de El Bosco: un nuevo sentido de la animalidad, del hombre como animal, y de la revelación de la verdad a través de lo monstruoso. Exaltando la monstruosidad se puede estudiar mejor el alma humana.


Finalmente, Gombrich, a partir del significado del exterior del tríptico, deduce que el tema de la obra es el Diluvio y que el panel central representaría el mundo antes del diluvio, ilustrando las escenas concretas que incitaron a Dios a destruir el mundo (Génesis, 6, 11-13). Decían los comentaristas bíblicos que Dios no destruyó la tierra sino su fertilidad; si antes del diluvio el vigor y la fecundidad del suelo eran mayores, parece lógico que el pintor haya llenado el cuadro de personas que comen frutas gigantes (fresas, uva...). Si el pecado por el que Dios envió el diluvio era la impudicia, El Bosco se recrea en la idea de que la lujuria había llevado al hombre a la locura en el período anterior al Diluvio: la alegría de los personajes (los negros serían los descendientes de la tribu de Caín), la falta del sentido de pecado, es lo que constituye el verdadero pecado del hombre antes del diluvio. La despreocupación por el juicio, la entrega total al comer, al amor y a la diversión, es lo que evoca y visualiza El Bosco. Sin embargo, no nos da una visión pesimista: el arco iris en la nube de tempestad, en el exterior del tríptico, contiene la promesa que no habrá un segundo diluvio que destruya la humanidad, y la salvación de Noé es una advertencia de que los buenos no morirán. Por ello, en vez de El jardín de las Delicias sería más adecuado llamarlo La lección del diluvio.

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Delicia

Mensajepor Delicia » Dom 03 Dic, 2006 2:25 pm


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lee

Mensajepor lee » Dom 03 Dic, 2006 4:51 pm

Pegar patadas tambien puede ser un arte.

[GVideo]http://video.google.com/videoplay?docid=8389400046636671161[/GVideo]

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Elinat

Mensajepor Elinat » Lun 04 Dic, 2006 6:00 am

:grin: Hola Mariana, por ejemplo en esta web puedes leer sobre el arte, los estilos y escuelas de pintura etc.

http://www.artehistoria.com/

Saludos
:grin: :up:

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Elinat

Mensajepor Elinat » Lun 04 Dic, 2006 6:29 am

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> Iglesia de Auvers
Titulo: Iglesia de Auvers, 1890
Autor: Vincent Van Gogh
Museo: Museo de Orsay
Caracteristicas: Oleo sobre lienzo 94 x 75´4 cm.
Estilo: Neo-Impresionismo



Quizá sea ésta la obra más emblemática de las 80 imágenes realizadas por Vincent durante sus dos meses de estancia en el pueblo de Auvers-sur-Oise, al noroeste de París, donde había sido enviado por Theo, cansado de Arles. En esa estancia estuvo atendido por el doctor Gachet. Las luces nocturnas siempre llamaron la atención de Van Gogh, bien fuese la luz de las estrellas - Noche estrellada - bien la de la luz artificial - Terraza del café de Arles-.

De nuevo recurre a la luz nocturna, teniendo como protagonista una pequeña iglesia gótica, que adquiere por el efecto lumínico una sorprendente sensación fantasmagórica. Como buen impresionista (no olvidemos que Van Gogh aprendió de Pissarro y se inició en este movimiento pictórico) se preocupa por captar la sombra de la construcción, apreciándose claramente tanto en el sendero como en el césped, al tomar un tono más oscuro. La pincelada del artista es cada vez más personal; si bien es cierto que partió del puntillismo de Seurat y la estampa japonesa, conseguirá alcanzar una libertad y una seguridad en el trazo incomparables.

Esos pequeños toques de color, que se aprecian con facilidad en el lienzo y otorgan mayor ritmo a la composición, son únicos en el mundo. Por el contrario, las líneas de los contornos están muy marcadas, producto de la influencia del cloisonnismo de Bernard y Gauguin, y del deseo de Vincent por demostrar sus logros con el dibujo, su gran reto. La zona del cielo tiene mayor planitud, empleando una pincelada a base de espirales, destacando la intensidad del colorido. Precisamente los tonos que utiliza Van Gogh también son muy personales.

Los malvas, verdes, amarillos y blancos caracterizaban buena parte de su producción, añadiendo pequeñas superficies de color naranja para aludir a los colores complementarios. La figura de la mujer que camina por el sendero proporciona mayor vitalidad y realismo a la escena, un conjunto insuperable.

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Elinat

Mensajepor Elinat » Lun 04 Dic, 2006 6:32 am

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Creación de Adán
Titulo: Creación de Adán, 1510
Autor: Miguel Angel
Museo: Capilla Sixtina
Caracteristicas: Fresco
Estilo: Renacimiento Italiano



La Creación de Adán ha marcado la mirada del hombre desde el momento en que se pintó hasta nuestros días. Esta imagen ha sido determinante en la formación del arte tal y como hoy lo entendemos, y es considerada la alegoría más sugerente y poética del origen del ser humano como ser que participa en la divinidad, sea cual sea ésta. La Creación de Adán sigue el mismo método de representación que la Creación de Eva, fingiendo dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma realidad del espectador.

Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, a todos los animales y seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza, crearse de nuevo a sí mismo. Dios llega a la tierra en una nube, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo poder irresistible. En tierra, la figura de Adán ya está modelada, esperando ser insuflada de vida. Adán está totalmente pegado a la tierra, como surgiendo de ella: su mano se levanta débilmente, sin fuerza propia, sin objetivo.

Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza terrible de la creación para transmitirla a su criatura y convertirla en lo que es. El detalle aislado de las dos manos resume en sí mismo el misterio de la creación, de la vida humana. Es una interpretación conmovedora de Miguel Ángel, que ha hecho de esta imagen un auténtico patrimonio de la Humanidad.


:grin: :up:

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Escuela de arte

Mensajepor Escuela de arte » Vie 13 Abr, 2007 7:03 pm

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The Arnolfini Portrait
Jan van Eyck


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Mensajepor Escuela de arte » Vie 13 Abr, 2007 7:05 pm

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Guernika

Pablo Picasso


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Escuela de arte

Mensajepor Escuela de arte » Vie 13 Abr, 2007 7:07 pm

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Gala Contemplating...
Salvador Dali


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